Musica

El dúo M&D, conformado por Mito y Didier @md.mitoydidier, continúa con la promoción de “Vida Peligrosa (El Solecito)”, un tema que reafirma su versatilidad dentro del regional mexicano y su enfoque abierto a la fusión de sonidos.

El lanzamiento se realiza bajo el sello discográfico AP Global Music y presenta una reinterpretación del tema original de Legado 7 junto a Arsenal Efectivo y Omar Ruiz, incluido en el álbum Pura Lumbre (2018). Compuesta por Francisco Javier Rodríguez Jr., la canción cobra una nueva dimensión a través de la propuesta artística de M&D, quienes respetan su esencia mientras incorporan su identidad sonora.

Mito, con una fuerte influencia del regional mexicano, ha crecido escuchando a artistas como Joan Sebastian, Espinoza Paz y Carin León, así como sonidos del country, lo que aporta una sensibilidad melódica distintiva al proyecto. Por su parte, Didier se inclina hacia el hip hop y los corridos, con una apertura musical que abarca géneros como reggae y jazz, contribuyendo a una propuesta diversa y en constante evolución.

Nacidos en Los Ángeles y radicados en Guadalajara, ambos artistas construyen un sonido que refleja una fusión natural de influencias, consolidando un estilo propio que conecta con distintas audiencias. A lo largo de su trayectoria, lanzamientos como “RAP AP A”, “Digital” y “El Mismo Cuento” han marcado momentos clave en su evolución, definiendo el camino hacia esta nueva etapa.

Con “Vida Peligrosa (El Solecito)”, M&D continúan desarrollando una propuesta que equilibra tradición y modernidad, posicionándose dentro de una nueva generación de artistas que expanden los límites del regional mexicano. Videoclip: https://youtu.be/NBPAuBFQ8XQ?si=jKxFXxqEfxRxcGUN

La banda colombiana Morat encabezará el espectáculo de apertura del partido amistoso de despedida de la selección colombiana antes del Mundial de 2026, denominado ‘La Recta Final’, que se disputará el próximo lunes en el estadio El Campín de Bogotá ante Costa Rica, confirmó este jueves la Federación Colombiana de Fútbol (FCF).

El amistoso será el último compromiso en Colombia de la selección dirigida por el argentino Néstor Lorenzo antes de viajar al Mundial que organizarán México, Estados Unidos y Canadá.

«El Campín vibrará con los colores amarillo, azul y rojo antes de que la Selección Colombia emprenda vuelo hacia el Mundial de la FIFA 2026», expresó la FCF en un comunicado.

La selección colombiana debutará en el Mundial el 17 de junio frente a Uzbekistán en el estadio Azteca de Ciudad de México y seis días después jugará contra República Democrática del Congo en Guadalajara.

Luego de hacer una pausa en su carrera musical, Abel, reconocido como una de las voces del histórico dúo Caín y Abel, anuncia oficialmente su regreso a la música, retomando su esencia dentro del movimiento underground que marcó una generación en Puerto Rico.

Abel formó parte de producciones icónicas que ayudaron a construir las bases del género urbano, participando en álbumes emblemáticos como Grayskull 1 y 2, Sandunguero, proyectos junto a DJ Blass y colaboraciones con figuras influyentes del movimiento underground. Su trayectoria también lo llevó a compartir tarima y estudio con algunos de los artistas más importantes del género durante una de las etapas más importantes de la música urbana en Puerto Rico.

El regreso de Abel representa una reconexión con las raíces del underground, trayendo de vuelta una voz auténtica que fue parte del desarrollo y evolución del movimiento. Con nuevos proyectos musicales en camino, el artista busca conectar tanto con la generación que vivió el nacimiento del género como con el público joven que hoy continúa consumiendo la música urbana.

“Volver a la música es volver a una parte de mi vida que nunca dejó de existir. La pasión sigue intacta y hay mucho que contar”, expresó Abel sobre esta nueva etapa.

El artista actualmente se encuentra trabajando nueva música y futuras colaboraciones que serán anunciadas próximamente a través de sus plataformas digitales y medios oficiales.

Redes Sociales: @abelbookingpr

Luego de décadas liderando en el repertorio clásico, El Sistema presenta un hito en su trayectoria al estrenar de forma simultánea tres producciones musicales que proyectan la diversidad de sus agrupaciones y expanden su catálogo hacia géneros populares, contemporáneos y festivos.

Producidos y grabados en el Centro Nacional de Acción Social por la Música en Quebrada Honda, estos lanzamientos logran una fusión inédita entre la disciplina orquestal, coral y los ritmos tradicionales y tropicales, marcando además el debut discográfico de la Orquesta de Música Venezolana S.D.

Tres discos, tres lenguajes musicales

Bajo la dirección de distintas batutas líderes, El Sistema presenta los siguientes títulos:

• Latinoamerica in Motion: Una recopilación de obras de Giancarlo Castro, compositor egresado de las filas de la institución, ejecutada bajo la dirección del maestro Christian Vásquez al frente de la Orquesta Sinfónica Juan José Landaeta.
• Mi Gente: Un apoteósico tributo sinfónico al repertorio del legendario Héctor Lavoe. Este proyecto unió a la Orquesta Sinfónica Juan José Landaeta con la voz de Joseph Amado, la Coral Nacional Simón Bolívar y El Sistema All Stars, todos también bajo la batuta del maestro Vásquez.
• Punteando: Marca el esperado debut discográfico de la Orquesta de Música Venezolana S.D., liderada por Edward Bogado. Esta producción cuenta con la participación especial del reconocido cantante Luis Fernando Borjas en uno de los temas.

El reto de fusionar lo académico con lo popular

Este lanzamiento simultáneo lleva los rigurosos métodos de aprendizaje de la música clásica hacia nuevas fronteras.

«Haber grabado estos discos tan distintos marca un hito en nuestra historia, porque demuestra cómo hemos desarrollado diferentes géneros musicales llegando a todos los sectores de la sociedad. Este paso muestra la versatilidad de nuestros músicos, la inclusión y la seriedad con la que asumimos cada género (…) bajo la premisa de que la música bien hecha siempre va a ser buena música, sin importar su origen», asegura Eduardo Méndez, director ejecutivo de El Sistema.

La materialización de este catálogo implicó unir dos mundos: la precisión de las partituras académicas y la espontaneidad de la música popular. El maestro Christian Vásquez asumió este gran desafío con los instrumentistas:

«El reto principal en las obras de Giancarlo Castro fue lograr que toda la orquesta tocara junta y se escuchara cada melodía escondida; debíamos cuidar que los metales no taparan a las cuerdas. Por otro lado, al fusionar el lenguaje sinfónico con lo popular en el disco de Héctor Lavoe, lo bonito fue mantener la flexibilidad y no estar rígidos; nos dejamos llevar por el swing de los All Stars. A todo esto, se suma el trabajo vocal de la coral, que le da un color especial a la música porque la palabra tiene una capacidad única para conectar emocionalmente con el público».

Un equipo de producción de primer nivel

Los tres discos contaron con la participación en la producción musical de Eduardo Méndez, Eugenio Carreño, María Beatriz Cárdenas y Eduardo Martínez Planas. La ingeniería de grabación estuvo a cargo de Vicente Moreno, Orlando Di Pietro y Eduardo Martínez; mientras que la ingeniería de mezcla y mastering fue obra de Eduardo Martínez C.

Lanzamiento digital: Latinoamérica in Motion, Mi Gente y Punteando estarán disponibles en todas las plataformas digitales a partir del mes de junio.

El reconocido cantautor colombiano y ganador de múltiples Latin GRAMMY®, Fonseca (@fonsecamusic), sigue consolidando el éxito de su más reciente producción discográfica “Antes que el tiempo se vaya” con el estreno oficial del videolyric del tema homónimo junto a Juanes (@juanes), disponible desde el pasado 21 de mayo a través de su canal oficial de YouTube.

Desde el lanzamiento del álbum, la canción se ha convertido en uno de los temas más destacados del proyecto gracias a la conexión que ha generado con el público y a la fuerza de una colaboración que reúne a dos de las voces más importantes de la música colombiana y latina. El tema transmite un mensaje profundamente humano sobre el valor del tiempo, la importancia de vivir plenamente y de atesorar los momentos que realmente importan.

El estreno del videolyric representa un nuevo paso dentro de la promoción del álbum y ofrece una propuesta audiovisual que acompaña la sensibilidad de la canción, permitiendo que el público conecte aún más con su letra y narrativa emocional.

Antes que el tiempo se vaya” es el onceavo álbum de estudio de Fonseca, una producción que reafirma su lugar como una de las figuras más influyentes de la música latina contemporánea. A lo largo de sus 12 canciones, el artista colombiano fusiona sonidos tropicales, pop y elementos folclóricos que han definido su identidad musical durante más de dos décadas de trayectoria.

El álbum incluye colaboraciones con importantes artistas de la escena musical latina como Rubén Blades, Manuel Medrano, Nanpa Básico, Rawayana y Río Roma, consolidando un proyecto diverso y profundamente colaborativo. Asimismo, canciones como “Celebrar”, “Ahí estabas tú” y “Nunca me fui” mantienen presente la narrativa emocional y cercana que caracteriza la propuesta artística de Fonseca.

Con una trayectoria sólida y 9 Latin GRAMMY® en su haber, Fonseca ha construido un sello musical reconocible por la mezcla de sonidos tropicales y pop, acompañado de letras emotivas y cercanas que han conectado con distintas generaciones alrededor del mundo. Su capacidad de evolucionar sin perder autenticidad lo mantiene como una de las voces más representativas de la música latina actual.

Con el lanzamiento del videolyric de “Antes que el tiempo se vaya”, Fonseca amplía el alcance de un álbum que no solo refleja su evolución artística, sino también su capacidad de conectar emocionalmente con el público a través de canciones honestas, humanas y llenas de significado.

La Bandada es una agrupación femenina colombiana de pop místico, fusión latinoamericana, afrobeat y cuerdas andinas que nace en Medellín en 2021, del encuentro de tres mujeres provenientes del teatro, la música y la búsqueda de un lenguaje propio. Lo que empezó como un proyecto colectivo en torno a la canción y la palabra escrita se fue convirtiendo, sin que lo nombraran, en una propuesta con identidad: pop místico, voces femeninas en armonía, una puesta en escena que es también teatro. Llevan cinco años creando, equivocándose, transformándose.

Actualmente, la banda no es la misma del inicio — y esa evolución es lo que las mantiene vivas. La Bandada está integrada por tres voces principales: Alejandra Pulgarín Martínez — licenciada en teatro de la Universidad de Antioquia, que interpreta también el ukelele y la armónica; Karen Castaño — técnica en música de la Escuela de Artes Débora Arango y actriz, en el piano; y Yessica Duque — tecnóloga en música de la misma escuela, en la guitarra. En vivo están acompañadas por una banda de músicos y, en la dirección escénica, Julián Pineda, maestro en arte dramático de la Universidad de Antioquia, que trabaja en la puesta en escena como una pieza teatral.

La intención de su propuesta musical es hacer canciones que sean también puerta a un poema, una obra o una historia que valga la pena contar.

«Creemos que la canción puede ser un puente hacia la literatura, el pensamiento y el cuidado. Al mismo tiempo queremos que esas canciones se bailen, se sientan en el cuerpo y que no que se queden en lo intelectual. Por eso fusionamos afrobeat, con cuerdas andinas: porque queremos un sonido que tenga raíz, ritmo y la capacidad de viajar lejos», comenta la banda.

«Queremos enviar un mensaje de que las mujeres y las palabras importan, que hay historias que merecen ser cantadas — las que están en los libros y las que están en la vida cotidiana de la gente. Le cantamos al deseo, al duelo, a la equidad de género, a los desaparecidos, a los donantes anónimos, a quienes sostienen por dentro lo que el mundo todavía no logra nombrar», agrega el grupo con influencias de Natalia Lafourcade, Mon Laferte, Kany García, Muerdo, Monsieur Periné.

‘Vivir en Ti’ es lo nuevo de La Bandada, es un homenaje a las personas donantes de órganos y de sangre que lo hacen como acto de amor radical, que tienen fe en lo invisible. Es un reconocimiento a quienes cambian el mundo despacio, sin protagonismo. Está dedicada a esos héroes anónimos que, sin saberlo, regalaron vida. La canción nace de la idea de que existe una decisión silenciosa — la de compartir — capaz de cambiar el destino de alguien para siempre, sin pedir nada a cambio.

La letra está escrita desde la voz de quien recibe ese regalo, de quien vuelve a nacer gracias a un desconocido. Habla sobre la gratitud, las segundas oportunidades y sobre ese corazón que un día empieza a latir distinto porque hay otra vida latiendo dentro de él. «Y vuelvo a nacer por ti, porque un desconocido decidió compartir».

La agrupación cristiana Maranatha Worship llevó a cabo el pasado 02 de mayo la actividad titulada “Un Encuentro en Bet-el”, una impactante grabación en vivo de sus nuevos temas musicales y covers, en un ambiente lleno de espiritualidad, adoración y profunda conexión con Dios.

El encuentro reunió a pastores, adoradores y diversas agrupaciones cristianas que se dieron cita para ser parte de esta experiencia de fe y música. Entre los invitados especiales estuvieron el pastor Enmanuel Sena, Grupo Abad y la adoradora Paola Lebron, quienes aportaron momentos de adoración y ministración que marcaron la noche.

La disertación de la palabra estuvo a cargo del pastor Junior Ventura, quien compartió un mensaje de esperanza, propósito y renovación espiritual para todos los presentes.

La producción general del evento estuvo bajo la coordinación de la Lic. Genesis Severino, destacándose por la excelente organización y el cuidado de cada detalle durante la grabación.

Asimismo, la conducción del evento estuvo a cargo del comunicador y relacionista público Juan Miguel Matos, quien aportó dinamismo y cercanía a una noche cargada de emociones y adoración.

Con esta nueva producción, Maranatha Worship reafirma su compromiso de continuar llevando mensajes de fe, esperanza y adoración a través de la música, impactando vidas y fortaleciendo el crecimiento de la música cristiana en la República Dominicana.

The Smashing Pumpkins vuelve a ocupar el centro de la conversación rockera por la actualización de su agenda de gira y por el seguimiento qAquí tienes una paráfrasis del artículo, enriquecida con la información del anuncio de su nueva gira:

La reactivación de The Smashing Pumpkins y la expectativa en Sudamérica

Cada vez que la agrupación liderada por Billy Corgan da señales de movimiento, el público de Sudamérica entra en estado de alerta. Con la agenda de conciertos de 2026 comenzando a definirse, la atención de los fans no solo está puesta en los escenarios, sino en la posibilidad de que la banda anuncie fechas en la región.

¿Qué está pasando y por qué entusiasma? El principal motor de esta expectativa es que la banda mantiene activa su sección oficial de giras. Esto cobró aún más sentido recientemente con el anuncio oficial de su nueva gira «The Rats in a Cage Tour» (como se muestra en el video que compartiste), la cual ofrecerá sets únicos para celebrar el 30º aniversario de su aclamado álbum Mellon Collie and the Infinite Sadness.

Aunque este video promocional solo revela fechas para Estados Unidos y Canadá, los movimientos internacionales de este calibre siempre abren una ventana de esperanza para los seguidores en países como Argentina, Chile, Colombia, Perú y Uruguay. Medios de la talla de Rolling Stone en Español y Billboard Argentina coinciden en que el rock alternativo de los noventa mantiene un inmenso peso cultural en la región. Gracias a su base de fans intergeneracional, The Smashing Pumpkins logra dominar las búsquedas digitales y apelar fuertemente a la nostalgia.

Expectativa frente a la realidad A pesar de la ilusión de los fanáticos—quienes ya imaginan a la banda llenando recintos masivos como los distintos Movistar Arena de la región—el artículo subraya un punto crucial: hasta el momento, no existen fechas confirmadas ni venta de boletos oficial para Sudamérica.

En un panorama donde las redes sociales suelen llenarse de rumores, filtraciones y capturas de pantalla dudosas, la recomendación editorial es clara:

• Priorizar las fuentes oficiales: El sitio web de The Smashing Pumpkins es el único lugar definitivo para confirmar paradas en la gira.
• Confiar en medios verificados: Consultar siempre plataformas periodísticas serias y especializadas para contrastar cualquier supuesta novedad.

En resumen, la banda no necesita de grandes campañas de marketing para generar ruido; el simple hecho de volver a las rutas en 2026 ya es suficiente para mantener a la industria y a los fanáticos sudamericanos a la expectativa de un posible anuncio regional.

Luego de protagonizar exitosas temporadas de los musicales más importantes del país, como Los Miserables y Mamma Mía!, Beto Baralt se estrena en la composición con un material que explora las etapas del amor, a través de la metáfora de los sentidos y que busca rescatar la esencia de la balada pop de los 90 y 2000, desde una sonoridad contemporánea.

Escucha el disco aquí 👇🏼
SPOTIFY:

Beto Baralt, figura central del teatro musical en el
país, presenta su primer material discográfico titulado “Cinco Sentidos”.
Este EP de cinco temas inéditos presenta una propuesta de balada pop
con temas de su propia autoría, que ya está disponible en todas las
plataformas digitales.
Tras consolidar una carrera destacada en las tablas con roles protagónicos
en producciones como Los Miserables, Casi Normal y Mamma Mía!, el
artista venezolano da un paso firme hacia su faceta como cantautor.
“Cinco Sentidos” es el resultado de una búsqueda por encontrar un
sonido propio, que el artista define como nostálgico, pero contemporáneo.
El proceso creativo del disco estuvo marcado por el descubrimiento
personal. «Siempre me imaginé más como un intérprete que como un
autor. Cuando llegué a casa de Luis Gerardo Moreno, mi productor, él
creó el instrumental y me dijo: ‘Aquí tienes tu canción, ponle melodía y
letra’. No estaba en mis planes, pero acepté el reto de ver qué pasaba y

así surgió el primer tema. Fue un proceso muy genuino de descubrir mi
propia voz», recordó Beto.
El concepto del EP surge de una exploración sensorial en la que cada
canción hace referencia a uno de los sentidos, abordando matices del
amor, la pérdida y la intimidad. “Adicto a ti”, “Quiero tocar tu corazón”,
“Afrodita”, “Si no te vuelvo a ver” y “Me puedes escuchar” fueron
grabadas en su totalidad con la participación de músicos venezolanos,
instrumentos reales y cuerdas sinfónicas en Remoto Estudio y Sweet
Spot Studios.
“Creo que la palabra que describe este EP es ‘entrega’. Es la entrega de
amor a la persona de tu vida, entregarse al dolor de perder a alguien que
amas y hasta la entrega que das en la intimidad. Este disco son mis
primeras canciones para todo el que quiera escucharlas y sentirlas”,
concluyó Baralt.
“Cinco Sentidos” vendrá acompañado de material audiovisual para cada
uno de los temas, dirigidos por Miguel Tejada, reforzando la propuesta
estética de Beto Baralt, quien actualmente también se prepara para su
próximo compromiso teatral.
Instagram: instagram.com/betobaralt
Youtube: youtube.com/@betobaralt
Spotify: Beto Baralt

Créditos Cinco Sentidos
Letras: Beto Baralt.
Producción: Luis Gerardo Moreno.
Ingenieros de grabación: Ricardo Martínez, José Tellerias y Rey Rodriguez.

Ingeniero de Mezcla: Rey Rodriguez.
Master: Francesco Imbriago.
Batería: Diego Cabrujas.
Guitarra Acústica: Gerónimo Egea.
Guitarra Eléctrica: Luis Gerardo Moreno.
Teclados: Luis Monterola.
Arreglos en cuerdas: Luis Monterola.
Bajo: Joe Garrido.
Saxofón: Fran Haslam.
Violines: Karem Silva y Orlando Pérez.
Violonchelo: Frank Valderrey.
Viola: Ismael Infante.
Coros: Cristina Mosquera, Isabella Sánchez y Luis Gerardo Moreno.

Sobre Beto Baralt
Con una sólida formación académica que inició a los 14 años bajo la guía de
maestros como Delia Dorta, Mayré Martinez, Alejandro Zabala, Napoleón del
Vecchio, Katherine Arocha, entre otros, Beto Baralt se ha consolidado como una
de las voces masculinas más importantes del teatro musical en Venezuela.
Ha protagonizado hitos del teatro musical, destacando su interpretación de Jean
Valjean en las dos temporadas de Los Miserables (2019/2023) y Sam Carmichael,
en Mamma Mía! (2025). Su currículo incluye roles estelares en producciones de
gran formato como Matilda, Casi Normal, El Hombre de la Mancha y A Todo
Volumen.
Se ha formado con maestros de la actuación como Matilda del Corral (Gimnasio
de Actores) y Rossana Hernández (Escuela CFC), además de perfeccionarse en
Nueva York tras ser becado por Go Broadway.
Su trayectoria en el teatro musical ha sido la plataforma que lo ha llevado a
compartir escenario con grandes íconos de la música venezolana como Karina,
Yordano y Luis Fernando Borjas. Actualmente, es uno de los solistas de la
Orquesta de Rock Sinfónico Simón Bolívar de El Sistema.

Harry Styles volvió oficialmente a los grandes escenarios con el inicio de su gira “Together Together” en Ámsterdam, una apertura que marcó el regreso del artista británico al formato de espectáculo masivo, con una producción pensada para conectar tanto con sus seguidores históricos como con quienes esperan una nueva etapa musical de su carrera. La noche generó especial atención porque el setlist combinó canciones conocidas, momentos íntimos y material reciente.

El concierto fue leído por la prensa musical como una declaración de intenciones. Styles no se limitó a presentar una lista de éxitos, sino que organizó el show como una experiencia dividida en momentos emocionales y bloques de alta energía. Según la reseña de Variety Australia, el artista abrió paso a canciones muy queridas por su público como “Golden”, “Adore You”, “Watermelon Sugar” y “Music for a Sushi Restaurant”, reforzando la conexión con su etapa más popular.

Uno de los puntos más comentados fue la manera en que el cantante equilibró el pasado reciente con lo nuevo. La gira llega después de una etapa de gran consolidación para Styles, quien ha pasado de ser una figura pop global a un artista con una identidad escénica cada vez más definida. La presencia de nuevas canciones dentro del repertorio sugiere que esta gira también funciona como plataforma para abrir un nuevo capítulo creativo.

La elección de Ámsterdam como punto de partida no pasó desapercibida. La ciudad fue el escenario inicial de una gira con alta expectativa internacional, especialmente después de que el anuncio de fechas de 2026 despertara enorme demanda en mercados europeos como Reino Unido. Variety ya había reportado a principios de año que Styles añadió más fechas en Londres, alcanzando una presencia histórica en Wembley.

Más allá del repertorio, el espectáculo se apoyó en el carisma del cantante y en una puesta en escena construida para grandes estadios. La crítica destacó que, después de un primer acto más emocional, Styles prometió que el resto de la noche estaría orientado al baile, una frase que resume el espíritu de esta nueva gira: cercanía, celebración y energía colectiva.

El setlist también funciona como una radiografía de su evolución. Canciones como “Fine Line” mantienen un peso simbólico dentro de su carrera, mientras que los temas más bailables refuerzan su habilidad para convertir el pop en una experiencia compartida. Para los fans, la apertura de gira ofreció pistas claras sobre el tono de los próximos conciertos.

La reacción del público fue clave para medir el impacto del regreso. Aunque el espectáculo fue cubierto como una noticia musical, también tuvo un fuerte componente cultural: Harry Styles sigue siendo uno de los nombres más influyentes del pop contemporáneo, y cada decisión de repertorio se convierte en conversación global.

Con este arranque en Ámsterdam, “Together Together” se perfila como una gira diseñada para celebrar el recorrido de Styles, presentar nuevas canciones y confirmar su vigencia como una de las figuras más convocantes de la música actual.